CD LPO-0037 Britten with Jurowski

BRITTEN

DOUBLE CONCERTO FOR VIOLIN & VIOLA VARIATIONS ON A THEME OF FRANK BRIDGE LES ILLUMINATIONS VLADIMIR JUROWSKI conductor SALLY MATTHEWS soprano PIETER SCHOEMAN violin ALEXANDER ZEMTSOV viola LONDON PHILHARMONIC ORCHESTRA

BRITTEN DOUBLE CONCERTO FOR VIOLIN & VIOLA VARIATIONS ON A THEME OF FRANK BRIDGE LES ILLUMINATIONS Britten’s first instrument was the piano, which he learned from the age of seven, but at ten he began viola lessons and quickly became a proficient player. Learning the viola gave him an insider’s knowledge of string technique, which is apparent in all the music he wrote for strings. During his teens, under the influence of his composition teacher Frank Bridge, he wrote several pieces scored for viola and other instruments, including a remarkable Trio for violin, viola and piano, and an Elegy for solo viola, the latter the closest he ever came to atonality. When he went to the Royal College of Music in 1930 he reverted to a more tonal musical language, and his music was also soon to acquire the brilliance and clarity that characterises his maturity.

At the Proms in September 1931 Britten heard the Walton Viola Concerto, which he described in his diary as ‘a work of genius’.

The following year he wrote a concerto of his own, a Double Concerto for Violin and Viola: he began composing it on 9 March and, astonishingly, had finished sketching the six-minute first movement by the next day; the whole piece was composed by 4 May. But Britten never got beyond a short score, and

so far as we know made no attempt to get the work performed. We do not know why, although his experience with rehearsing the next piece he wrote after the Concerto, his Sinfonietta, Op.1, with a student orchestra in August 1932 (‘I have never heard such an appalling row!’, he wrote in his diary) may well have discouraged him. In consequence the Concerto remained in manuscript until 1997, when Colin Matthews realised the orchestral score from Britten’s very detailed markings in his short score, and the Concerto was premiered at the Aldeburgh Festival that year.

The Double Concerto has three movements, the last following on directly from the slow movement. It is scored for a classical orchestra and is sparingly scored throughout, which means that the soloists are always clearly audible. The solo parts are beautifully contrasted, as in Mozart’s Sinfonia Concertante which is the work’s only comparable precedent.

The first movement is founded on the very Brittenish horn call heard near the start, with its prominent rising fourths. These fourths soon get into the solo parts and act as a unifying device. The slow movement, ‘Rhapsody’, like the middle movement of

the Sinfonietta has some relation to the English pastoral tradition, though Britten is neither nostalgic nor over-indulgent.

Much of the Allegro scherzando finale is underpinned by repeated semiquavers on the note B in the timpani (Britten marked them to be played with side drum sticks, a distinctive sound). The climax, which leads us to expect a few loud conclusive chords, is swept aside by a pianissimo return of the opening horn call, now on solo flute, leading to a magically quiet ending. Altogether, the Double Concerto is as musically strong as the Sinfonietta, so it is curious that Britten abandoned it, and sad that he never heard it.

After Britten left the Royal Academy, he soon became a busy professional composer, writing film and theatre music and a number of mostly chamber pieces. He met Auden and a close friendship developed between them; they collaborated on several documentary films (notably Night Mail) and on Britten’s first major commission, the orchestral songcycle Our Hunting Fathers. At the end of May 1937, Boyd Neel, who conducted Britten’s only feature film score, Love from a Stranger, asked Britten to compose a piece for his string

orchestra to perform at the Salzburg Festival that August. Britten jumped at the chance, undaunted by the need for haste, and finished a 25-minute piece in just over a month.

Variations on a Theme of Frank Bridge was his first work to become a popular classic. The reasons are clear: the piece brims over with vitality, is full of instantly memorable ideas, and is superbly written for string orchestra.

The theme, preceded by an introduction that highlights the notes F and B, is taken from Bridge’s Idyll No. 2 for string quartet (1906), which Britten had already used for an unfinished set of piano variations he began in 1932. The intervals of a falling fifth and fourth with which it begins are present in almost all the variations: these vary widely in mood, from high-spirited jollity and parody (as in ‘Aria Italiana’) to the Mahlerian tragedy of the ‘Funeral March’. The ten variations have titles indicating their character, and Britten also intended them to provide a rounded portrait of his teacher. He originally headed all the variations with additional titles denoting Bridge’s personal characteristics: thus ‘March’ was headed ‘His energy’, ‘Romanza’ was ‘His charm’, ‘Aria Italiana’ was ‘His humour’, and

so on. Bridge was greatly touched by the score’s dedication of ‘a tribute with affection and admiration’, writing in a letter of thanks: ‘It is one of the few lovely things that has ever happened to me.’ The fugal finale was originally headed ‘His skill’, but the skill that is on spectacular display is Britten’s: his rigorous counterpoint lessons with John Ireland at the Royal College had paid off. In the second half, the 11-part fugue combines with Bridge’s theme plus a series of five more quotations from Bridge’s music, including the opening theme from his tone poem The Sea that had so struck Britten when he had heard it as a boy.

The overall mood of the Variations on a Theme of Frank Bridge is of boyish exuberance, but by 1939, when Britten began Les Illuminations, he had matured a lot. He had fallen in love with the 18-year-old Wulff Scherchen, his first serious love affair, and was sharing a London flat with his future life partner Peter Pears. In March, with his feelings for Wulff at their most intense, Britten set two poems, ‘Being Beauteous, and ‘Marine’, from Arthur Rimbaud’s Les Illuminations, the extraordinary sequence that Rimbaud had written as a teenager, mostly in London when he was living out his stormy relationship with Verlaine.

Auden had introduced him to Rimbaud’s poetry some months previously, and it greatly excited him. In Rimbaud, the provincial boy adrift in the city, an archetypal outsider,

experimenting with homosexuality, Britten undoubtedly recognised a kindred spirit.

This was not the first time he had set French poems: he had written his precocious Quatre chansons françaises as a 14-year-old schoolboy.

Britten scored these two new songs for soprano and string orchestra, specifically for his friend Sophie Wyss (the original soloist in Our Hunting Fathers), who performed them in an all-Britten broadcast concert in April, shortly before he and Pears set off for Canada and their three year exile in America. In Canada Britten and Pears soon became lovers; Britten’s feelings for Wulff began to fade, and he wrote the remainder of Les Illuminations under the spell of this new relationship. In August 1939 the couple moved to Amityville, Long Island, to stay with the Mayers, an immigrant German family Pears had befriended on his earlier visits to the USA. Mrs Mayer soon became enormously fond of Britten and almost a second mother to him. It was there that Britten completed Les Illuminations.

On 19 October, just after he had finished the song-cycle, he wrote to Sophie Wyss: ‘Les Illuminations, as I see it, are the visions of heaven that were allowed the poet, and I hope the composer.’ The visions are very direct.

The marvellous opening, with its high trill for cellos and basses and trumpet-like fanfares for violas and violins in B flat and E major, leading to the soloist’s ‘J’ai seul la clef de cette

parade sauvage’ (‘I alone hold the key to this wild parade’), heralds the amazing variety of vivid scenes that follow. The kaleidoscopic dash through the cityscape of ‘Villes’ succeeds to the still, sensuous love poetry of ‘Phrase’ and ‘Antique’ (so much more sensuous when sung by the soprano voice for which the songs were conceived); the brilliance of ‘Royauté’ and ‘Marine’ to the rapt ‘Interlude’ and the loveliest song of all, ‘Being Beauteous’ (now dedicated to Pears), which glides effortlessly in and out of the purest C major. ‘Parade’, which follows, as Britten wrote to Wyss, ‘is a picture of the underworld. It should be made to sound creepy, evil, dirty (apologies!), and really desperate’. Does beauty already inevitably lead ‘to the abyss’, as Death in Venice was later to suggest? And why did he base it on material from his abandoned string quartet ‘Go play, boy, play’, apparently concerned with reminiscences of his schooldays? However, this dark vision ends in the ecstasy of C major again, as the soloist exultantly shouts out the refrain. ‘Départ’ leaves the ‘parade sauvage’ with nostalgic regret, as the music winds down to silence. Almost all the melodic material of Les Illuminations is derived from arpeggios and scalic fragments, the kind of material a Classical composer might have used; yet the music all sounds completely fresh. It is the crowning masterpiece of Britten’s early years.

David Matthews 2008

Les Illuminations 1. Fanfare

1. Fanfare

J’ai seul la clef de cette parade sauvage.

I alone hold the key to this savage parade.

2. Villes

2. Towns

Ce sont des villes! C’est un peuple pour qui se sont montés ces Alleghanys et ces Libans de rêve! Des chalets de cristal et de bois se meuvent sur des rails et des poulies invisibles.

Les vieux cratères, ceints de colosses et de palmiers de cuivre rugissent mélodieusement dans les feux ... Des cortèges de Mabs en robes rousses, opalines, montent des ravines.

Là-haut, les pieds dans la cascade et les ronces, les cerfs tettent Diane. Les Bacchantes des banlieues sanglotent et la lune brûle et hurle.

Vénus entre dans les cavernes des forgerons et des ermites. Des groupes de beffrois chantent les idées des peuples. Des châteaux bâtis en os sort la musique inconnue ... Le paradis des orages s’effondre ... Les sauvages dansent sans cesse la Fête de la Nuit ...

These are towns! It is for the inhabitants of towns that these dream Alleghanies and Lebanons have been raised. Castles of crystal and wood move on rails and invisible pulleys. Old craters, encircled with colossal statues and palms of copper, roar melodiously in their fires ...

Corteges of Queen Mabs in robes red and opaline, climb the ravines. Up there, their hoofs in the cascades and the briars, the stags give Diana suck. Bacchantes of the suburbs weep, and the moon burns and howls. Venus enters the caves of the blacksmiths and hermits. Groups of bell-towers sing aloud the ideas of the people.

From castles built of bones proceeds unknown music ... The paradise of the thunders bursts and falls. Savages dance unceasingly the Festival of the Night ...

Quels bons bras, quelle belle heure me rendront cette région d’où viennent mes sommeils et mes moindres mouvements?

What kindly arms, what good hour will restore to me those regions from which come my slumbers and the least of my movements?

3a. Phrase

3a. Phrase

J’ai tendu des cordes de clocher à clocher; des guirlandes de fenêtre à fenêtre; des chaînes d’or d’étoile à étoile, et je danse.

I have hung ropes from bell-tower to bell-tower; garlands from window to window; golden chains from star to star, and I dance.

3b. Antique

3b. Antique

Gracieux fils de Pan! Autour de ton front couronné de fleurettes et de baies, tes yeux, des boules précieuses, remeunt. Tachées de lies brunes, te joues se creusent. Tes crocs luisent. Ta poitrine ressemble à une cithare, des tintements circulent dans tes bras blonds. Ton coeur bat dans ce ventre où dort le double sexe. Promènetoi, la nuit, en mouvant doucement cette cuisse, cette seconde cuisse et cette jambe de gauche.

Oh, gracious son of Pan! Thine eyes - those precious globes - glance slowly; thy brow is crowned with little flowers and berries. Thy hollow cheeks are spotted with brown lees; thy tusks shine. Thy breast resembles a cithara; tinkling sounds run through thy blonde arms.

Thy heart beats in that womb where sleeps Hermaphrodite. Walk at night, softly moving this thigh, this other thigh, this left leg.

4. Royauté

4. Royalty

Un beau matin, chez un peuple fort doux, un homme et une femme superbes criaient sur la place publique: ‘Mes amis, je veux qu’elle soit reine!’ ‘Je veux être reine!’ Elle riait et tremblait.

Il parlait aux amis de révélation, d’épreuve terminée. Ils se pâmaient l’un contre l’autre.

En effet ils furent rois toute une matinée où les tentures carminées se relevèrent sur les maisons, et toute l’après-midi, où ils s’avancèrent du côté des jardins de palmes.

On a beautiful morning, in a country inhabited by mild and gentle people, a man and woman of proud presence stood in the public square and cried aloud; ‘My friends, it is my wish that she should be queen.’ ‘I wish to be queen!’ She laughed and trembled. To his friends he spoke of revelation, of a test concluded. Swooningly they leaned one against the other. And during one whole morning, whilst the crimson hangings were displayed on the houses, and during the whole afternoon, while they advanced towards the palm gardens, they were indeed kings.

5. Marine

5. Marine

Les chars d’argent et de cuivre – Les proues d’acier et d’argent – Battent l’écume, – Soulèvent les souches des ronces.

Les courants de la lande, Et les ornières immenses du reflux, Filent circulairement vers l’est, Vers les piliers de la forêt, Vers les fûts de la jetée, Dont l’angle est heurté par des tourbillons de lumière.

Chariots of silver and of copper Prows of steel and of silver Beat the foam, Lift the stems of the brambles.

The streams of the barren parts And the immense tracks of the ebb Flow circularly towards the east, Towards the pillars of the forest, Towards the piles of the jetty, Against whose angles are hurled whirlpools of light.

6. Interlude

6. Interlude

J’ai seul la clef de cette parade sauvage.

I alone hold the key to this savage parade.

7. Being Beauteous

7. Being Beauteous

Devant une neige un Être de Beauté de haute taille. Des sifflements de mort et des cercles de musique sourde font monter, s’élargir et trembler comme un spectre ce corps adoré: des blessures écarlates et noires éclatent dans les chairs superbes. Les couleurs propres de la vie se foncent, dansent, et se dégagent autour de la Vision, sur le chantier Et les frissons s’élèvent et grondent, et la saveur forcenée de ces effets se chargeant avec les sifflements mortels et les rauques musique que le monde, loin derrière nous, lance sur notre mère de beauté, – elle recule, elle se dresse. Oh! nos os sont revêtus d’un nouveau corps amoureux.

Against a background of snow is a beautiful Being of majestic stature. Death is all round her, and whistling, dying breaths, and circles of hollow music cause this adored body to rise, to swell, and to tremble like a spectre. Scarlet and black wounds break out on the superb flesh.

Colours which belong to life deepen, dance, and separate themselves around the vision, upon the path. Shudders rise and mutter; and the mad savour of all these things, heavy with dying groans and raucous music, is hurled at our Mother of Beauty by the world far behind us.

She recoils, she stands erect. Oh rapture! our bones are covered anew with a body of love.

O la face cendrée, l’écusson de crin, les bras de cristal! Le canon sur lequel je dois m’abattre travers la mêlée des arbres et de l’air léger!

Ah! The pale ashen face, the mane-like hair, the arms of crystal. And there is the cannon upon which I must cast myself through the noise of trees and light winds.

8. Parade

8. Parade

Des drôles très solides. Plusieurs ont exploité vos mondes. Sans besoins, et peu pressés de mettre en oeuvre leurs brillantes facultés et leur expérience de vos consciences. Quels hommes mûrs! Des yeux hébétés à la façon de la nuit d’été, rouges et noirs, tricolorés, d’acier piqué d’étoiles d’or; des facies déformés, plombés, blêmis, incendiés; des enrouements folâtres! La démarche cruelle des oripeaux! – Il y a quelques jeunes –

These are very sturdy rogues. Many of them have made us of you and your like. Without wants, they are in no hurry to put into action their brilliant faculties and their experience of your consciences.

What mature men! Here are sottish eyes out of a midsummer night’s dream – red, black, tricoloured; eyes of steel spotted with golden stars; deformed faces, leaden-hued, livid, enflamed; wanton hoarseness. They have the ungainly bearing of rag dolls. There are youths among them –

O le plus violent Paradis de la grimace enragée! ... Chinois, Hottentots, bohémiens, niais, hyènes, Molochs, vieilles démences, démons sinistres, ils mêlent les tours populaires, maternels, avec les poses et les tendresses bestiales. Ils interpréte raient des pièces nouvelles et des chansons ‘bonnes filles’. Maîtres jongleurs, ils transforment le lieu et les personnes et usent de la comédie magnétique ...

It is a violent Paradise of mad grimaces ...

Chinese, Hottentots, gypsies, simpletons, hyenas, Molochs, old insanities, sinister demons, they alternate popular or material tricks with bestial poses and caresses. They can interpret modern plays or songs of a simple naivety at will. Master jugglers, they transform places and people, and make use of magnetic comedy ...

J’ai seul la clef de cette parade sauvage.

I alone hold the key to this savage parade.

9. Départ

9. Depart

Assez vu. La vision s’est rencontrée à tous les airs.

Assez eu. Rumeurs de villes, le soir, et au soleil, et toujours.

Assez connu. Les arrêts de la vie.

O Rumeurs et Visions!

Départ dans l’affection et le bruit neufs!

Sufficiently seen. The vision has been met in all guises.

Sufficiently heard. Rumours of the town at night, in the sunlight, at all times.

Sufficiently known. Life’s decrees. Oh Rumours!

Oh Visions!

Departure in the midst of love and new rumours.

Arthur Rimbaud (1854-1891)

English Translation: Helen Rootham

London Philharmonic Orchestra

© Richard Cannon

The London Philharmonic Orchestra is known as one of the world’s great orchestras with a reputation secured by its performances in the concert hall and opera house, its many award-winning recordings, its trail-blazing international tours and its pioneering education work. Distinguished conductors who have held positions with the Orchestra since its foundation in 1932 by Sir Thomas Beecham include Sir Adrian Boult, Sir John Pritchard, Bernard Haitink, Sir Georg Solti, Klaus Tennstedt, Franz Welser-Möst and Kurt Masur. Vladimir Jurowski was appointed the Orchestra’s Principal Guest Conductor in March 2003 and became Principal Conductor in September 2007, succeeding Kurt Masur.

The London Philharmonic Orchestra has been resident symphony orchestra at Southbank Centre’s Royal Festival Hall since 1992 and there it presents its main series

of concerts between September and May each year. In summer, the Orchestra moves to Sussex where it has been Resident at Glyndebourne Festival Opera for over 40 years. The Orchestra also performs at venues around the UK and has made numerous tours to America, Europe and Japan, and visited India, Hong Kong, China, South Korea, Australia, South Africa and Abu Dhabi.

The London Philharmonic Orchestra made its first recordings on 10 October 1932, just three days after its first public performance.

It has recorded and broadcast regularly ever since, and in 2005 established its own record label. These CDs are unique: amongst them are archive, studio and live concert recordings including world-première performances. These are also available as high quality downloads. Visit: www.lpo.org.uk

VLADIMIR JUROWSKI conductor Vladimir Jurowski was born in Moscow, but in 1990 moved with his family to Germany, where he completed his musical studies at the High Schools of Music in Dresden and in Berlin. In 1995 he made a highly successful debut at the Wexford Festival conducting Rimsky-Korsakov’s May Night, which launched his international career. Since then he has worked with the world’s leading orchestras and opera houses such as the Berlin Philharmonic, Royal Concertgebouw, Dresden Staatskapelle and Philadelphia Orchestra as well as the Royal Opera House Covent Garden, Opéra Bastille de Paris, La Scala Milan and Metropolitan Opera New York.

© Roman Gontcharov

In January 2001 Vladimir Jurowski took up the position of Music Director of Glyndebourne Festival Opera. In 2005 he was appointed Principal Guest Conductor of the Russian National Orchestra and granted the title of “Special Artist” of the Orchestra of the Age of Enlightenment. In September 2007 he became the London Philharmonic Orchestra’s twelfth Principal Conductor.

SALLY MATTHEWS soprano Sally Matthews regularly appears with Bernard Haitink, Sir Charles Mackerras, Sir Simon Rattle, Seiji Ozawa, Michael Tilson Thomas, Sir Colin Davis and Daniel Harding.

Her opera roles include Anne Truelove The Rake’s Progress for La Monnaie, Brussels and the Royal Opera House: also for ROH, Sifare Mitridate, Asteria Tamerlano, and Fiordiligi Cosi fan tutte, a role she performs for Glyndebourne Festival, Bayerische Staatsoper and Netherlands opera; Blanche Dialogues des Carmelites at the Theater an der Wien; and Donna Anna for Vienna Staatsoper.

© David Crookes

Sally’s concert engagements include Mahler Symphony No 4 for the London Symphony Orchestra and London and Berlin Philharmonic Orchestras; the title role in Schumann’s Das Paradies und die Peri with the Mahler Chamber Orchestra; Haydn’s The Creation with the Orchestra of the Age of Enlightenment; Messiaen Poèmes pour mi with the London Symphony Orchestra, Berg Seven Early Songs with the BBC Philharmonic Orchestra and Elijah at the Saito Kinen Festival, Japan.

PIETER SCHOEMAN violin Pieter Schoeman was appointed Leader of the London Philharmonic Orchestra in 2008 under Vladimir Jurowski having been Co-Leader under Kurt Masur since 2002. Born in South Africa, he made his solo debut with the Cape Town Symphony Orchestra at the age of ten.

Since then he has performed as soloist and recitalist throughout the world in such famous halls as the Concertgebouw in Amsterdam, Moscow’s Rachmaninov Hall, Cappella Hall in St. Petersburg, the Staatsbibliothek in Berlin, London’s Wigmore Hall and the Hollywood Bowl. He has performed as Guest Leader with the symphony orchestras of Barcelona, Bordeaux, Lyon, Baltimore and the BBC in London among others. Mr Schoeman’s solo playing has been described by London’s The Times as ‘...rapturous, sweet toned...’ while the Baltimore Sun remarked on its ‘...exquisite refinement and tenderness.’ The London Independent noted that ‘Schoeman’s tone was distinguished by its purity’ and The Strad thought his Wigmore Hall performance ‘was magnificently, almost overwhelmingly, done.’

ALEXANDER ZEMTSOV viola

Š Richard Cannon

Alexander Zemtsov was born in Ufa, USSR, and studied with Elena Ozol at the Gnessin Special Music School in Moscow. After further studies in Maastricht with Michael Kugel and in Berlin with Tabea Zimmermann, he was awarded a number of prizes, including first prize at the International Youth Competition Classical Legacy in Moscow in 1995, at the Elise Meyer Competition in Hamburg in 1997 and at the 8th Brahms Competition in Austria in 2001.

Zemtsov has worked with several European orchestras and in 2003 was appointed Principal Viola of the London Philharmonic Orchestra. Zemtsov is a member of the new string ensemble The Hermitage Trio with Boris Garlitsky and Leonid Gorokhov. Engagements as a soloist include concerts with orchestras including the Belgian Radio Orchestra, Konzertverein Orchester, Vienna, and the London Philharmonic Orchestra, in venues including the Tchaikovsky Conservatoire Hall in Moscow, Musikhalle in Hamburg, Palais des Beaux-Arts, Brussels, and Queen Elizabeth Hall, London. Zemtsov is professor of viola at the Guildhall School of Music.Â

BRITTEN Doppelkonzert für Violine und Viola Variationen über ein Thema von Frank Bridge Les Illuminations Benjamin Brittens erstes Instrument war das Klavier, das er als Siebenjähriger zu lernen begann, doch mit zehn Jahren wechselte er zur Viola und wurde bald ein tüchtiger Spieler. Durch die Beschäftigung mit dem Instrument erwarb er sich, wie in all seinen Streichestücken erkennbar ist, Insiderkenntnisse in der Streichertechnik. Als Teenager, unter dem Einfluss seines Lehrers Frank Bridge, schrieb er fürs gemeinsame Musizieren mit Freunden mehrere Stücke mit einem Violapart für sich selbst. Darunter sind ein bemerkenswertes Trio für Violine, Viola und Klavier und eine Elegie für Soloviola, die der Atonalität näher steht als jedes andere seiner Werke. Als er 1930 in das Royal College of Music eintrat, wandte er sich wieder einer mehr tonalen musikalischen Sprache zu, und seine Musik erlangte bald jene Brillanz und Klarheit, die für seinen reifen Stil bezeichnend ist.

Bei den Proms im September 1931 hörte Britten William Waltons Violakonzert, das er in seinem Tagebuch als „Werk eines Genies“ beszeichnete.

Im Jahr darauf schrieb er selbst ein Konzert, ein Doppelkonzert für Violine und Viola. Am 9. März begann er mit der Arbeit, und erstaunlicherweise hatte er die Skizze zum sechsminütigen ersten Satz bereits am nächsten Tag fertig; das gesamte

Werk lag am 4. Mai vor. Doch Britten ging nie über ein Particell hinaus, und soweit wir wissen, unternahm er keinen Versuch, das Werk zur Aufführung zu bringen. Den Grund dafür kennen wir nicht, doch könnten ihn durchaus seine Erfahrung bei den Proben zu seinem nächsten Stück, seiner Sinfonietta Op. 1, mit einem Studentenorchester im August 1932 („Ich habe noch nie so einen entsetzlichen Lärm gehört“, schrieb er in sein Tagebuch) entmutigt haben.

Folglich blieb das Werk Manuskript, bis Colin Matthews 1997mit Hilfe von Brittens sehr detaillierten Anmerkungen im Particell eine Orchesterpartitur erarbeitete und das Werk im selben Jahr beim Aldeburgh Festival zur Uraufführung kam.

Das Doppelkonzert hat drei Sätze, wobei sich der letzte ohne Unterbrechung an den langsamen Satz anschließt. Es ist für klassisches Orchester geschrieben und durchweg sparsam instrumentiert, so dass die Solisten immer deutlich hörbar sind. Die Solopartien bilden einen wunderbaren Kontrast, wie in Mozarts Sinfonia Concertante, dem einzigen vergleichbaren Vorgängerwerk. Der erste Satz gründet sich auf den fast am Anfang auftretenden typisch Britten’schen Hornruf mit

seinen markanten aufsteigenden Quarten. Diese Quarten gehen bald in die Solostimmen ein und wirken dort als verbindendes Element. Der langsame Satz, „Rhapsodie“, hat wie der mittlere Satz der Sinfonietta eine gewisse Beziehung zur englischen pastoralen Tradition, obwohl Britten weder nostalgisch noch übermäßig milde ist.

Das Finale des Allegro scherzando ist in weiten Teilen mit repetierenden Sechzehnteln auf dem Ton H in den Pauken unterlegt. Der Höhepunkt, der uns zur Erwartung einiger lauter, endgültiger Akkorde lenkt, wird von einer Wiederholung des eröffnenden Hornrufs im Pianissimo beiseite geschoben, die nun in der Soloflöte auftreten und zu einem Schluss von magischer Ruhe führen. Alles in Allem ist das Doppelkonzert musikalisch ebenso stark wie die Sinfonietta; daher ist es seltsam und bedauerlich, dass Britten das Werk und niemals gehört hat.

Nach seinem Ausscheiden aus der Royal Academy wurde Britten bald ein vielbeschäftigter, professioneller Komponist und schrieb Musik für Film und Theater und eine Anzahl von Kammermusikwerken. Er begegnete Wystan Hugh Auden, und zwischen beiden entwickelte sich eine enge Freundschaft. Beide arbeiteten gemeinsam an verschiedenen

Filmprojekten (beachtenswert: Night Mail) und an Brittens erstem großen Auftragswerk, dem Orchesterlieder-Zyklus Our Hunting Fathers. Ende Mai 1937 bat Boyd Neel, der Brittens einzige Spielfilmpartitur Love from a Stranger dirigierte, ein Stück für sein Streichorchester zu komponieren, das bei den Salzburger Festspielen im August aufgeführt werden sollte. Britten griff die Gelegenheit beim Schopf, ließ sich vom Zeitdruck nicht abschrecken und vollendete in kaum mehr als einem Monat ein Stück von 25 Minuten Dauer. Variationen über ein Thema von Frank Bridge waren sein erstes Werk, das ein populärer Klassiker wurde. Der Grund liegt auf der Hand: das Werk sprüht vor Vitalität, ist voller eingängiger Ideen und ein Glanzstück für Streichorchester.

Dem Thema geht eine Einleitung voraus, in der die Töne F und H (Englisch B) hervorgehoben sind; es ist aus Bridges Idyll No. 2 für Streichquartett von 1906 entlehnt, das Britten schon für eine 1932 angefangene, allerdings nicht vollendete Reihe von Klaviervariationen verwendet hatte. Die absteigenden Quint- und Quartintervalle, mit denen es beginnt, sind in fast allen Variationen präsent. Deren Stimmung wechselt von hochgestimmter Fröhlichkeit und

Parodie (wie in Aria italiana) bis zu Mahler’scher Tragik im Trauermarsch. Die zehn Variationen tragen Titel, die ihren Charakter andeuten, und Britten beabsichtigte außerdem, auf diese Weise ein abgerundetes Portrait seines Lehrers zu liefern. Ursprünglich versah er alle Variationen mit ergänzenden Überschriften, die die Eigenschaften von Bridges‘ Persönlichkeit wiedergeben sollten. Also trug „Marsch“ zusätzlich die Bezeichnung „Seine Tatkraft“, „Romanze“ war „Sein Charme“, „Aria italiana“ war „Sein Humor“, und so weiter. Bridge war von der Widmung „als Gabe der Liebe und Bewunderung“ in der Partitur tief berührt und schrieb in einem Dankesbrief: „Es ist eine der paar allerliebsten Sachen, die mir je begegnet sind.“ Das fugierte Finale war ursprünglich mit „seine Kunsfertigkeit“ überschrieben, doch die Kunstfertigkeit, die sich hier so eindrucksvoll zeigt, ist diejenige von Britten: Die strengen Kontrapunktlektionen bei John Ireland am Royal College hatten sich ausgezahlt. In der zweiten Hälfte wird die 11-stimmige Fuge mit Bridges‘ Thema und einer Serie von 5 weiteren Zitaten aus seiner Musik kombiniert, darunter das Eröffnungsthema seines Tonpoems The Sea, das Britten so tief beeindruckt hatte, als er es als Knabe zum ersten Mal hörte.

Der Grundstimmung der Variationen über ein Thema von Frank Bridge ist jugendliche Ausgelassenheit, doch bis 1939, als Britten Les Illuminations begann, war er viel reifer

geworden. Er hatte sich in den 18-jährigen Wulff Scherchen verliebt, seine erste ernsthafte Liebesaffäre, und teilte in London eine Wohnung mit seinem späteren Lebenspartner Peter Pears. Im März, auf dem Höhepunkt seiner Gefühle für Wulff, komponierte Britten die beiden Poeme Being Beauteous und Marine nach Arthur Rimbauds Les Illuminations, jene außergewöhnliche Reihe, die Arthur Rimbaud als Teenager geschrieben hatte, während er, die meiste Zeit in London wohnend, seine stürmische Beziehung mit Paul Verlaine auslebte. Auden hatte ihn einige Monate zuvor in Rimbauds Poesie eingeführt, und sie hatte ihn tief aufgerührt. In Rimbaud, dem in der Großstadt dahintreibenden Jungen aus der Provinz, einem archetypischen Außenseiter, der mit der Homosexualität experimentierte, erblickte Britten zweifellos einen Seelenverwandten.

Es war nicht das erste Mal, dass er französische Dichtungen vertonte: Als 14-Jähriger Schüler hatte er seine frühreifen Quatre chansons françaises geschrieben. Die zwei neuen Lieder schrieb er für Sopran und Streichorchester, ganz speziell für seine Freundin Sophie Wyss (die erste Solistin in Our Hunting Fathers), die sie in einem Britten gewidmeten Rundfunkkonzert im April aufführte, kurz bevor Britten und Pears nach Kanada und in ihr dreijähriges Exil in die USA aufbrachen. In Kanada wurden Britten und Pears bald ein Liebespaar; Brittens Gefühle für Wulff

begannen zu verblassen, und den Rest der Illuminations schrieb er unter dem Zauber dieser neuen Beziehung. Im August 1939 zog das Paar nach Amityville auf Long Island, um bei den Mayers, einer deutschen Emigrantenfamilie zu bleiben, mit der Pears bei früheren Besuchen in den USA Freundschaft geschlossen hatte. Frau Meyer war bald ganz versessen auf Britten und wurde wie eine zweite Mutter für ihn. Hier also vollendete Britten Les Illuminations.

Am 19. Oktober, direkt nachdem er den Liederzyklus fertiggestellt hatte, schrieb er an Sophie Wyss: „Les Illuminations“, so sehe ich es, sind die Vision eines Himmels, der dem Dichter erlaubt ist, und wie ich hoffe, auch dem Komponisten.“ Die Visionen sind sehr direkt. Die wunderbare Eröffnung mit ihrem Aufruhr aus Celli, Bässen und trompetenartigen B-Dur- und E-DurFanfaren der Bratschen und Violinen, die zum „J’ai seul la clef de cette parade sauvage“ (Ich allein besitze den Schlüssel zu dieser wilden Parade) überleitet, kündigt die erstaunliche Vielfalt der folgenden lebensvollen Szenen an.

Der kaleidoskopische Streifzug durch die Stadtlandschaft von „Villes (Städte)“ mündet in der stillen, gefühlvollen Liebespoesie von „Phrases (Phrasen)“ und „Antique (Altertümlich)“ (so viel sinnlicher mit einer Sopranstimme, für die die Lieder ja auch gedacht waren); der Glanz von „Royauté

(Königtum)“ und „Marine“ im versunkenen „Interlude (Zwischenspiel)“ und dem lieblichsten Lied von allen, „Being Beauteous“ (das nun Pears gewidmet ist), das sich mühelos aus reinstem C-Dur löst und wieder in C-Dur hinübergleitet. Das folgende Lied, „Parade“, ist, wie Britten an Wyss schrieb, „ein Bild der Unterwelt. Es sollte so gesungen werden, dass es gruselig, böse, schmutzig (Entschuldigung!) und wirklich verzweifelt klingt.“ Führt Schönheit schon unabwendbar „in den Abgrund“, wie der „Tod in Venedig“ später suggerieren sollte? Und warum verwendete Britten dafür Material von seinem unvollendeten Streichquartett „Go play, boy, play“, das offensichtlich mit Erinnerungen an seine Schulzeit zu tun hat? Wie auch immer, diese dunkle Vision endet wieder in einer C-Dur-Extase, in der der Solist jubelnd den Refrain verkündet. „Départ“ lässt die „wilde Parade“ mit wehmütigem Bedauern hinter sich, sowie sich die Musik zur Stille herabwindet. Fast das gesamte musikalische Material von Les Illuminations ist von Arpeggien und Skalenfragmenten abgeleitet, von einem Material also, das auch ein „klassischer“ Komponist verwendet haben könnte; doch Brittens Musik klingt immer frisch. Sie ist das krönende Meisterwerk aus Brittens frühen Jahren.

David Matthews 2008 German Translation: Andrea Wolter

VLADIMIR JUROWSKI Dirigent

SALLY MATTHEWS Sopran

Vladimir Jurowski wurde in Moskau geboren.

1990 siedelte er mit seiner Familie nach Deutschland über, wo er seine musikalische Ausbildung an den Musikhochschulen in Dresden und Berlin vervollkommnete. Sein außerordentlich erfolgreiches Debüt beim Wexford Festival 1995 als Dirigent von Rimski-Korsakows Oper Mainacht war der Auftakt zu seiner internationalen Karriere.

Seitdem arbeitet er mit weltweit führenden Opernhäusern und Orchestern wie den Berliner Philharmonikern, dem Königlichen Concertgebouw, der Sächsischen Staatskapelle Dresden und dem Philadelphia Orchestra sowie am Königlichen Opernhaus Covent Garden, der Opéra Bastille Paris, der Mailänder Scala und dem Metropolitan Opernhaus New York.

Im Januar 2001 übernahm Vladimir Jurowski die Position des Musikdirektors der Glyndebourne Festival Oper. 2005 wurde er zum ständigen Gastdirigenten des Russischen Nationalorchesters berufen und mit dem Titel „Special Artist“ des Orchestra of the Age of Enlightenment geehrt. Seit September 2007 ist er als zwölfter in einer Reihe bedeutender Vorgänger Chefdirigent des Londoner Philharmonischen Orchesters.

Sally Matthews tritt regelmäßig mit Bernard Haitink, Sir Charles Mackerras, Sir Simon Rattle, Seiji Ozawa, Michael Tilson Thomas, Sir Colin Davis und Daniel Harding auf.

Zu ihren Opernrollen gehört unter anderem die Partie der Anne Truelove in Stravinskys The Rake’s Progress, die sie am Theatre de la Monnaie in Brüssel und am Royal Opernhaus gesungen hat. Hier war sie außerdem als Sifare in Mitridate, als Asteria in Tamerlano, als Fiordiligi in Cosí fan tutte zu erleben, in einer Rolle, die sie auch beim Glyndebourne Festival, an der Bayerischen Staatsoper und der Niederländischen Oper singt. Im Theater an der Wien war sie die Blanche in Dialogues des Carmelites, an der Wiener Staatsoper Donna Anna.

Als Konzertsängerin trat Sallys Matthews in Mahlers 4. Sinfonie mit dem London Symphony Orchestra sowie den Londoner und Berliner Philharmonikern auf. Sie sang die Titelpartie in Schumanns Das Paradies und die Peri mit dem Gustav-Mahler-Kammerorchester, Haydns Schöpfung mit dem Orchestra of the Age of Enlightenment, Messiaens Poèmes pour mi mit dem London Symphony Orchestra und Elias beim Saito Kinen Festival in Japan.

PIETER SCHOEMAN Violine

ALEXANDER ZEMTSOV Viola

Pieter Schoeman wurde 2008 unter Vladimr Jurowski zum Konzertmeister des Londoner Philharmonischen Orchesters berufen, zuvor war er bereits seit 2002 unter Kurt Masur zweiter Konzertmeister desselben Orchesters.

Geboren in Südafrika gab er bereits im Alter von zehn Jahren sein Debüt als Solist beim Städtischen Sinfonieorchester von Kapstadt. Seitdem tritt er als Solist und mit Solorecitals in aller Welt in so bedeutenden Konzerthäusern wie dem Concertgebouw Amsterdam, dem Moskauer Rachmaninovsaal, der Kappella St. Petersburg, der Londoner Wigmore Hall und der Hollywood Bowl auf. Als Gastkonzertmeister konzertierte er unter anderem mit den Sinfonieorchestern von Barcelona, Bordeaux, Lyon, Baltimore und dem BBC Orchester London. Pieter Schoemans solistisches Spiel wurde in der London Times als „…hinreißend, mit süßem Ton“ beschrieben, während die Baltimore Sun von „… ausgesuchter Feinheit und Zartheit“ sprach. Der Londoner Independent bemerkte, dass sich „Schoemans Ton durch seine Reinheit auszeichnete“, und The Strad meinte, sein Auftritt in der Wigmore Hall sei „glänzend, fast überwältigend, vollendet“ gewesen.

Alexander Zemtsov wurde in Ufa in der UdSSR geboren und studierte bei Elena Ozol an der Gnessin Musikspezialschule in Moskau. Nach weiteren Studien in Maastricht bei Michal Kugel und in Berlin bei Tabea Zimmermann gewann er mehrere Preise, darunter den 1.Preis des Internationalen Jugendwettbewerbs für klassisches Erbe in Moskau 1995, den Elise Meyer Wettbewerb im Hamburg 1997 und den 8. Brahms-Wettbewerb in Österreich 2001.

Zemtsov arbeitet mit verschiedenen europäischen Orchestern zusammen und wurde 2003 Konzertmeister der Bratschen des Londoner Philharmonischen Orchesters. Zemtsov ist Mitglied des neuen Streicherensembles The Hermitage Trio mit Boris Garlitsky und Leonid Gorochov. Als Solist gastierte er mit Orchestern wie dem Belgischen Radiosinfonieorchester, dem Wiener Konzertvereinsorchester und dem Londoner Philharmonischen Orchester in Konzerthäusern wie dem Tschaikowsi-Konservatorium Moskau, der Musikhalle Hamburg, dem Palais des Beaux-Arts Brüssel, und der KöniginElisabeth-Halle London. Zemtsov ist Professor für Viola an der Guildhall School of Music.

London Philharmonic Orchestra

© Richard Cannon

Das London Philharmonic Orchestra gilt als eines der wichtigsten Orchester der Welt. Sein Ruf gründet sich auf seine Darbietungen im Konzertsaal und im Orchestergraben, seine zahlreichen preisgekrönten Schallplattenaufnahmen, seine bahnbrechenden internationalen Tourneen und seine Pionierstellung in der Jugendarbeit.

Am Pult des 1932 von Sir Thomas Beecham gegründeten Orchesters standen in leitender Funktion, Sir Adrian Boult, Sir John Pritchard, Bernard Haitink, Sir Georg Solti, Klaus Tennstedt, Franz Welser-Möst, und Kurt Masur. Vladimir Jurowski wurde im März 2003 zum Ersten Gastdirigenten berufen; als Nachfolger von Kurt Masur übernahm er im September 2007 die Position des Chefdirigenten. Das London Philharmonic Orchestra ist seit 1992 das Residenzorchester der Royal Festival Hall, wo es zwischen September und Mai seine hauptsächlichen Konzertserien präsentiert. Im

Sommer geht das Orchester nach Sussex, wo es seit mehr als 40 Jahren als Residenzorchester der Festspiele von Glyndebourne fungiert. Das Orchester tritt auch überall im Vereinigten Königreich auf und hat Tourneen nach Amerika, Europa und Japan unternommen; dazu gab es Konzerte in Indien, Hong Kong, China, Südkorea, Australien, Südafrika und Abu Dhabi.

Seit seiner ersten Schallplattenaufnahme am 10. Oktober 1932, gerade einmal drei Tage nach seinem ersten öffentlichen Auftritt, ist das London Philharmonic Orchestra regelmäßig auf Tonträgern und im Rundfunk zu hören. 2005 gründete es sein eigenes CD-Label. Diese CD’s sind einzigartig: sie umfassen Archivaufnahmen, Studioaufnahmen und Konzertmitschnitte, darunter auch solche von Uraufführungen.

Seit April 2008 sind sie auch als Downloads in hoher Qualität verfügbar. Besuchen Sie dazu bitte die Webseite: www.lpo.org.uk

Highlights from the London Philharmonic Orchestra’s label

For more information or to purchase CDs telephone +44 (0)20 7840 4242 or visit www.lpo.org.uk LPO-0010

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BENJAMIN BRITTEN (1913 - 1976)

21:40

Double Concerto for Violin & Viola edited by Colin Matthews

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Allegro ma non troppo Rhapsody: Poco lento Allegro scherzando – Tempo primo (Allegro ma non troppo)

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6.28 7.37 7.35 25:46 1.58 2.12 1.09 1.30 1.21 1.16 2.52 1.10 3.36 1.46 6.56 22:22 2.01 2.24 0.57 1.54 1.43 1.01 3.06 3.54 2.54 2.28

Variations on a Theme of Frank Bridge, Op.10 Introduction and Theme Adagio March Romance Aria Italiana Bourée Classique Wiener Walzer Moto Perpetuo Funeral March Chant Fugue and Finale

Les Illuminations, Op. 18

Fanfare

Villes

Phrase Antique Royauté

Marine

Interlude

Being Beauteous Parade Départ

VLADIMIR JUROWSKI conductor SALLY MATTHEWS soprano PIETER SCHOEMAN violin ALEXANDER ZEMTSOV viola LONDON PHILHARMONIC ORCHESTRA Boris Garlitsky leader (4-24) Giulio Plotino guest leader (1-3) Recorded live at Southbank Centre’s QUEEN ELIZABETH HALL and ROYAL FESTIVAL HALL London LPO – 0037